Na recente edição do festival The Town, fui surpreendido por um Lionel Richie se apresentando em grande forma. Foi um show divertido, pesado e tecnicamente impecável que acionou alguns gatilhos que nem sabia que ainda estavam lá. Cresci praticamente respirando a obra do popstar. Era só passar perto de algum rádio ligado em qualquer estação – FM ou AM – e ser bombardeado por sua longa fileira de hits solo ou nos Commodores, de "Easy" e "Three Times a Lady" a "Hello", "All Night Long (All Night)", "Endless Love", "Say You, Say Me", etc, etc, ad-infinitum-e-além. Sem descanso.
Algumas, confesso, reouvi pela 1ª vez após décadas de molho. E foi um reencontro muito bom. Tanto pela performance energética e bem-humorada de Richie, quanto por ver essas joias pop gabaritando no teste do tempo. Mas uma canção em particular se tornou a grande surpresa do setlist: a emblemática "We Are the World", defendida heroicamente no piano e no gogó abençoados do compositor.
Com essas boas vibrações, resolvi tirar do porão este fenômeno que, em 1985, ajudou a combater a fome na Etiópia, mas que megassaturou rádios e tevês por metade da década de 1980. Que foi um momento histórico, isso nem se discute. E já era tempo de revisitar e estudar a música e seu antológico videoclipe com olhos e ouvidos mais calejados.
Aproveitei e estendi a estadia sonora com o sensacional documentário A Noite que Mudou o Pop (The Greatest Night in Pop, 2024), disponível na Netflix. O filme foi dirigido pelo americano-vietnamita Bao Nguyen, do igualmente sensacional Be Water, doc de 2020 sobre Bruce Lee. E a experiência foi fascinante, pra dizer o mínimo.
O documentário é revelador e até desmistificador sob muitos aspectos. Espertamente, Nguyen imprimiu à empreitada uma narrativa tensa, com um clima de Missão Impossível (a série sessentista, por favor). E foi exatamente isso, uma missão impossível com uma deadline ridícula entregue nas mãos dos multitalentosos Richie, Quincy Jones e Michael Jackson. Ficou famoso o aviso "check your ego at the door" – "deixe seu ego na porta" – pregado na entrada do estúdio, mas é lógico que algum percentual daquilo acabou passando de penetra.
O que não sabia era de todo o resto: a operação top secret para convocar os convidados (o que rende a memorável sequência com cada artista chegando ao estúdio da A&M sem saber quem estaria por lá), a logística é-tudo-ou-nada para gravar a coisa toda em uma só noite, Bob Geldof (Live Aid, Live 8) explicando aos astros a importância humanitária do projeto, Quincy Jones regendo e amansando a manada pop enquanto Lionel Richie se encarregava de apagar os pequenos incêndios, a complexidade de harmonizar vozes com estilos tão diferentes, o apoio essencial (e engraçado e brilhante) de Stevie Wonder ao deslocado Bob Dylan, a furada histórica de Prince, a insólita "dificuldade técnica" da Cyndi Lauper, a fofura suprema de Diana Ross, Bruce Springsteen só o pó da rabiola, saído da maior turnê de sua carreira direto para a gravação e por aí vai. Uma delícia de caos.
Para quem curte música, história da música, saber mais sobre a indústria e os bastidores, o documentário é um masterclass.
As interações espirituosas de Springsteen e Ray Charles mais os depoimentos impagáveis de Richie e de Huey Lewis são ouro puro. Podia ter rolado entrevistas com Paul Simon, Willie Nelson, Steve Perry e com os atores Dan Aykroyd (a tirada com os Caça-Fantasmas foi ótima) e Bette Midler, que também bateram ponto no coral gospel. A meu ver, dariam perspectivas atuais bem relevantes.
Como título, A Noite que Mudou o Pop não é acurado. Mas A Maior Noite do Pop, como reza o original, não ouso discordar.
Hoje foi escrito o último parágrafo do diário. Se foi o Ozzy Osbourne. Em outros tempos, só voltaria pra casa ébrio e que se foda o dia de amanhã.
Mas o tempo passou irredutível para o Madman – que já faz hora extra desde 1978, pelo menos – e também passou para aquele guri que o conheceu pela transmissão do 1º Rock in Rio. Fiquei assombrado diante da tevê. Nem de longe estava preparado. Outros tempos.
De um modo ou de outro, Ozzy nunca deixou de me assombrar. A prova mais recente foi há duas semanas, no antológico show de despedida dele com o Black Sabbath. Ali, o mundo testemunhou a luta de um homem contra seus limites físicos e neurológicos na base do coração, da raça, da coragem e de uma força de vontade inabalável, quase sobrenatural. Impossível assistir à performance sem se emocionar. Isso fica bem claro, para ele e para o público com olhos marejados, durante uma arrepiante “Mama, I'm Coming Home” – nunca essa balada soou tão pedrada.
O Ozzy, quem diria, dando um exemplo de resiliência diante dos reveses da vida e do mais puro amor às coisas que realmente importam. Louco, ele? Sim e com orgulho.
Se foi o Quincy Jones. Isso nem parece uma expressão de verdade. É quase como afirmar que "se foi a música" ou "se foi um instrumento". Lendário? Também é muito pouco.
Quincy não foi apenas o produtor, compositor e arranjador que moldou a cara dos anos 1980 com os estelares Off the Wall (1979), Thriller (1982) e Bad (1987), de Michael Jackson. E nem apenas o produtor e condutor de "We Are the World", um dos singles mais vendidos de todos os tempos. Do alto de seus 28 Grammys (e desculpe, mas, sim, isso vale muita coisa), a história de Quincy se confunde com a história da música pop contemporânea e da própria história da comunidade negra da América no século 20.
Neto de uma ex-escrava, a vida não facilitou para Quincy. Desde criança, quando vivia de pequenos roubos, até sua estreia na banda do jazzista Lionel Hampton e suas colaborações com nomes como Frank Sinatra, Ray Charles, Dinah Washington, Louis Armstrong, entre outros gênios, e ainda sentindo na alma toda a violência da segregação racial dos Estados Unidos, pode se dizer que Quincy fez e viveu o seu próprio milagre. Que vida. Que história.
Neste momento, é impossível não recomendar Quincy, documentário da Netflix co-dirigido por sua filha Rashida Jones (também uma ótima atriz) e por Alan Hicks. Se ainda não assistiu, recomendo demais. É excelente e imperdível.
Ninguém é eterno, lógico. Mas algumas vezes, vivenciar um momento histórico traz uma sensação de fim de festa absurdo e que daqui pra frente a ladeira abaixo será ainda mais íngreme. Essa é uma dessas ocasiões.
Comentando sobre o Rick Beatooutro dia, comecei a rever alguns vídeos antigos dele e me diverti demais. Produtor, engenheiro de som, compositor, multi-instrumentista e educador universitário, o músico nova-iorquino usa sua incrível articulação – e seu ainda mais incrível ouvido absoluto – para levar aos neófitos os rigores da teoria musical de maneira prática, espirituosa e mastigadinha. O que rende muito em suas entrevistas, causos de bastidores e análises de sucessos pop.
Foi nessa última que ele descobriu "a música pop mais complexa de todos os tempos". Que foi lançada por um brasileiro®...
Ok, artisticamente, "Never Gonna Let You Go" é tão brasileira quando "Sweet Home Alabama". Sérgio Mendes, ou Sergio Mendes, a incluiu em seu álbum homônimo de 1983 apenas porque precisava de uma balada para dar uma quebra no clima festivo e carnavalesco do disco. E saiu dali com um hit mundial nas mãos. Talvez o seu maior, o que é notável.
Mendes, radicado nos EUA desde 1964, foi um gigante pop nas décadas de 1960-1970. Contabilizou alguns sucessos, como "The Look of Love", "Scarborough Fair", a versão de "The Fool on the Hill", dos Beatles, e, lógico, o clássico "Mas que Nada", do Jorge Ben. Foi indicado várias vezes ao Grammy (levou alguns) e até ao Oscar. Tocou com Deus, na figura de Stevie Wonder, e o mundo. Tocou na Casa Branca para dois presidentes – não que isso valide alguma coisa, mas é a moralzinha agregada. Sacumé.
Lembro de crescer ouvindo "Never Gonna Let You Go" tocando sem parar em tudo que canto, em rádios, novelas, na casa vizinha, na rua. Por décadas. É daqueles standards do gênero adulto contemporâneo que não saem nunca das 50+. Mas sempre notei que havia algo muito estranho naquelas progressões de guitarra e vocais. E por "sempre", leia-se "sempre". Mesmo.
Iria para o túmulo com essa, mas graças aos céus pelo Rick Beato. E só levou 40 anos.
Line up do Reading Festival '98. Só de bater o olho, a pupila se dilata com a (então) relevância comercial do Garbage se sobressaindo à relevância histórica do New Order. E foram os únicos laureados pelo critério, visto que o mesmo não ocorreu nos dias anteriores.
25 anos depois, a banda ainda não esqueceu. Principalmente a frontwoman Shirley Manson.
“25 anos atrás. Passei o dia inteiro me sentindo mortificada por sermos a atração principal acima do New Order. Foi no mesmo verão que alcançamos os postos mais altos, acima de Bob Dylan, Nick Cave e Patti Smith. A cada vez queríamos rastejar de vergonha aos pés de nossos heróis.
Mas éramos jovens e inexperientes. Ainda não tínhamos aprendido que a indústria da música não trata seus veteranos com mãos gentis.
No devido tempo, desfrutando do grande privilégio de permanecer por aqui, nos encontramos em posições similares nas escalações dos festivais, conforme enfrentado por nossos heróis antes de nós. Viemos a aprender que é a ordem natural das coisas. As posições das escalações têm pouca influência em qualquer coisa além do simples continuum da vida.
Estamos gratos por ainda estarmos aqui. Brincar e surfar e planar através do tempo enquanto é curado pelas pessoas. Vocês, pessoas – agradecemos por nos permitirem um lugar à mesa por mais de 25 anos. Estamos para sempre em dívida com vocês.”
Palavras sóbrias e com uma honestidade pungente sobre a natureza do business. Em especial nos dias atuais, num cenário pop onde os astros são youtubers e tocadores de pendrive...
O retorno do Extreme após 15 anos de molho foi marcado da forma mais rock and roll possível: com um incendiário solo de guitarra. Crédito para o virtuose Nuno Bettencourt. O vídeo da música "Rise" bateu 1 milhão de visualizações só na primeira semana e seu engenhoso solo foi elogiado por gente como Justin Hawkins (The Darkness) e o multi-instrumentista e produtor Rick Beato. Merecido.
E não custa lembrar que o guitarrista luso utilizou a mesma técnica na música "Peacemaker Die", do álbum III Sides to Every Story, de 1992. É praticamente o mesmo solo, mas, na época, passou batido. Faz parte.
O reencontro de Nuno com o hype também rendeu suas turbulências – e fazia tempo que não surgia uma treta rockeira interessante.
Durante o gap no Extreme, o músico integrou a banda ao vivo da diva pop Rihanna, onde precisou assimilar uma variedade de estilos além do rock. O que não era nada novo para ele, tendo em vista (e ouvidas) suas colaborações anteriores com Robert Palmer, Perry Farrell, Lúcia Moniz e Toni Braxton, entre outros. O cara é bom. E sentiu que precisava lembrar isso ao mundo.
“Quando alguém como Rihanna te chama para tocar, todo mundo pensa ‘oh, que fofo. É uma artista pop, que seja’. Deixe-me dizer uma coisa, o que eu tinha que fazer noite após noite... botar um chapéu de reggae para um lance de reggae, em seguida tocar um R&B, então tocar algum punk rock e pop rock que ela fez, e então faixas dançantes de clube. Todos os tipos (de coisas), todas essas sensações diferentes. Desculpe, mas a maioria dos guitarristas que admiro não conseguiria fazer aquele show em seu tempo de vida. Digo isso da maneira mais elogiosa possível. Slash é um dos maiores guitarristas de rock de todos os tempos, mas eu garanto – e ele seria o primeiro a dizer a você – que se ele tentar tocar uma introdução limpa para 'Rude Boy' de Rihanna, não vai acontecer. Ele teria que lutar. Acredito que se eu não fosse tão diverso musicalmente e conhecido todo tipo de música quando era mais novo, não teria como estar nessa. E também ser aberto, ser um músico aberto no sentido de absorver tudo.”
Quem não ficou nada satisfeito com a declaração foi o Richard Fortus, guitarrista do Guns 'N Roses e amigão do Saul Hudson.
O que, no idioma de Luiz Carlini, quer dizer mais ou menos...
“Eu tenho que respeitosamente discordar. @nunobettencourtofficial é um dos grandes, com certeza. No entanto, há muito pouco que @slash não poderia fazer na guitarra (se ele quisesse). Eu fiz turnê com Rihanna antes de Nuno e passei muito tempo tocando com Slash. Este show não seria uma luta para ele.”
A reação de Nuno foi, metaforicamente, extreme escrevendo um TCC de morde-e-assopra em formato de Bíblia, Guerra e Paz e catálogo telefônico:
Resultando na seguinte revisão do que me entregou o Google Translator:
“Bem... sabia que isso eventualmente iria acontecer.
Você não pode ser abençoado e estar em várias capas de revistas de guitarra aos chocantes 56 anos de idade, receber tanta atenção por sua forma de tocar e pelo novo álbum como um guitarrista de rock sem que algum outro guitarrista agite alguma merda.
Estou respondendo a isso não porque eu dou a mínima para o que esse guitarrista pensa sobre mim, mas, em vez disso, porque eu odiaria pensar que minhas poucas palavras ofenderam um herói meu, @slash e possivelmente foderam meu relacionamento com ele.
@4tus eu ‘respectivamente’ nunca ouvi você tocar uma nota em meus 56 anos de vida e só sei seu nome do acampamento Rihanna e como um músico substituto no Guns.
Tenho certeza de que você é um músico decente, mas você realmente precisava repassar uma manchete que me fez parecer que estou falando mal de um colega músico, Slash.
Como se eu fosse pensar que Slash não é capaz de tocar nenhuma música da Rihanna enquanto dorme.
Vamos esclarecer uma coisa. Para mim, Slash é um dos maiores guitarristas de rock da minha geração e de todos os tempos. PONTO.
E @4tus, se você me conhecesse e onde está meu coração, saberia que o que eu quis dizer nesta declaração não era sobre Slash ou sua capacidade, era sobre guitarristas de rock como eu ou Slash trocando de estilo e a estranheza de tocá-los.
É óbvio que Slash pode tocar essas músicas, muito obrigado por apontar isso como se nós já não soubéssemos.
Mas para mim, como um guitarrista de ROCK predominante, obviamente não sou tão talentoso quanto você e achei um desafio acertar todas as diferentes pegadas e tons de guitarra de gêneros como Reggae, R&B, Electronic Dance, Trap e pop.
No que diz respeito à minha afirmação ridícula de que Slash iria ‘lutar’, sim, uma má escolha de palavras da minha parte, eu pessoalmente espero que Slash, que é um colega e uma influência, seja mais maduro o suficiente para entender o que eu realmente quis dizer como guitarrista por esse comentário.
Ao mencionar Slash como um exemplo icônico do Rock, quis dizer que, em geral, um guitarrista de rock o acharia, NÃO UMA LUTA, mas se sentiria como um peixe fora d'água como músico.
ISSO É TUDO QUE EU DISSE.
Eu não tive NADA além de respeito e admiração por @gunsnroses e @slash.
Peço desculpas se ofendi alguém sem querer.
N.”
Difícil tomar algum partido quando os dois têm sua cota de razão. Nuno, por observar os rigores de alguns (grandes) músicos do rock e Fortus, por observar o modo canhestro de Nuno afirmar isso.
De qualquer forma, esse episódio me lembrou algo que o baixista Jason Newsted articulou em entrevista à Rock Brigade sobre a diferença entre Andreas Kisser, guitarrista do Sepultura, e James Hetfield e Kirk Hammett, seus ex-companheiros de Metallica.
Entrevista a Fernando Souza Filho — Rock Brigade #190 (Maio/2002)
E ainda concluiu com uma voadora no Yngwie Malmsteen. Assim é que se faz, Nuno.
Parece um daqueles pôsteres fan made vindo das ideias de algum quarentão com Photoshop (culpado!). Mas o festival Darker Waves é bem autêntico. E um impressionante intensivão da década de 1980. Tem pra todo mundo, do sujão 45 Grave ao limpinho Tears for Tears. E todos no mesmo dia!
A fórmula é idêntica à do festival Cruel World (lembra dele?), que segue firme e forte. O revivalismo oitentista sempre esteve por aí, mas tomou um fôlego notável neste primeiro ano pós-pandemia, por motivos óbvios.
Inclusive, os ingressos para esta edição de novembro já estão esgotados. Para quem ainda quiser ir, resta preparar a carteira e recorrer a um tipo de profissional muito requisitado nos anos 80...
Se foi Tina Turner. Que mulher inacreditável. Que vida inacreditável. Deveria ser disciplina obrigatória para cada geração nos próximos dez mil anos. Garanto que cada menina e cada menino entraria na Cúpula do Trovão com sangue nos olhos para encarar o que a vida trouxesse.
De origem muito pobre, saída dos cafundós do Tennessee, Anna Mae transcendeu, sofreu o diabo e perdeu tudo, mas assumiu o controle e reescreveu sua própria história. Que está aí, para todos verem, lerem, ouvirem, aprenderem. Ela foi coração, foi coragem e foi um talento maior que o mundo. Uma guerreira do mundo real.
Na barriga da miséria, Tina Turner só não nasceu brasileira por um mero acaso.
Vez ou outra, algumas pérolas que jaziam no limbo televisivo conservadas n'algum VHS embolorado ressurgem no YouTube. Bruce Dickinson figurando no Que Som É Esse?, da antiga MTV, é uma dessas.
O quadro era um rip-off da seção "Cabra-Cega", da revista Bizz. O cantor, que promovia seu show solo no Festival Skol Rock 97, preferiu atirar a cerimônia pela janela e deixar as coisas mais... divertidas, para espanto da então VJ Chris Couto.
Dickinson sempre foi um fanfarrão e levantou ali uma bola perfeita para a jornalista cortar. Uma não, duas. Atirar na vaca sagrada alternativa Sonic Youth e brincar com a teoria conspiratória da morte de Kurt Cobain a mando da esposa Courtney Love fariam brilhar a retina de qualquer repórter com faro por uma declaração mais polêmica. Mas a Chris Couto — e nada contra a Chris Couto — seguiu travada em sorrisos tímidos, congelada num script sabor oportunidade-perdida.
É certo que o jornalismo cultural brasileiro já registrou momentos de autoafirmação e da mais puta pura iconoclastia. Isso nem se discute. Uma outra face, porém, foi criada sob medida para gravadoras e artistas: a da imprensa-parça, com abordagens bajuladoras, entrevistas fofinhas e ousadia zero.
Só que, em algumas ocasiões, os próprios entrevistados se encarregam de tocar fogo no parquinho. Ainda bem. Porque senão...
Ps: em 2011, o Sonic Youth fez o último show de sua carreira no festival SWU, em São Paulo. Momento histórico em que o jornalismo brazuca - também envolvendo outra ex-VJ - seguiu comendo mosca. Ó vida. Ó chinelagem.
Assistindo Desastre Total: Woodstock 99 (Trainwreck: Woodstock '99, 2022) tive a sensação de viajar no tempo, mas num outro espaço. Acompanhei o festival a exatos 7.622 km e dois fusos horários de distância do epicentro: no conforto do meu lar, estirado em minha poltrona favorita, com tira-gostos variados e rodadas incessantes de caipirinhas e latinhas de Skol (outra época!). Na tela, headliners raivosos, som no talo e um maremoto humano ensandecido — com pintos e peitos à mostra e balangando via satélite — que ainda hoje deixa atônitos até habitués em megafestivais.
Tudo levava a crer que estava testemunhando a experiência rock and roll definitiva. Mal sabia do inferno social e humanitário que estava se desdobrando ali em tempo real. Ou melhor, até desconfiava...
Lembro que, a certa altura, um VJzinho qualquer pergunta a um garoto sobre as cenas de violência e quebra-quebra da noite anterior. Ele é categórico: "cara, você tem Limp Bizkit, Rage Against the Machine e Metallica se apresentando um depois do outro... queria o quê?"
Aquele momento, vindo de um guri ressacado, foi didático. A escalação do palco principal não tinha a menor ressonância com os auspícios de paz & amor do icônico Woodstock. Foi uma estratégia adotada já na edição de 1994, quando a marca foi ressuscitada no vácuo das primeiras edições do bem-sucedido Lollapalooza. A gasolina estava lá, só faltava o fogo.
Dividido em três episódios, o documentário da Netflix explora esse e outros pontos nevrálgicos que levaram o Woodstock 1999 a uma quase tragédia sem precedentes. O trabalho de pesquisa e resgate de imagens de arquivo é espetacular. E o diretor Garret Price também sabe do peso dos depoimentos de quem esteve in loco e faz uma boa seleção de woodstockers, com artistas, jornalistas, membros do staff do festival e do próprio público.
E ainda foi esperto — e sortudo — o bastante para colher a versão dos promotores Michael Lang e John Scher. Afinal, eles tinham muito que explicar.
Logo nos primeiros minutos, duas cenas surreais dão conta que até os deuses tentaram avisar: o então prefeito local Joseph Griffo inaugura o evento com a tradicional quebra da garrafa de champagne e só consegue na 9ª tentativa; e o momento em que o Soul Brother Nº 1 James Brown recebe o espírito do Rei do Soul Tim Maia (falecido um ano antes) e se recusa a estrear o palco principal enquanto não receber o cachê integral antes do show, mesmo com a banda já tocando a introdução e o público urrando.
Mas o doc não deixa dúvidas sobre quem foram os grandes vilões do evento: os preços hiperinflacionados e as deficiências de infraestrutura.
O Woodstock '99 foi realizado numa antiga base aérea americana, situada em Rome, NY. É um monstro de 3.600 acres onde cada direção era uma verdadeira peregrinação sob o sol escaldante do verão americano. Para economizar nos custos (e, talvez, amortizar um pouco do prejuízo da malfadada edição de 94), a produção contratou seguranças com pouca ou nenhuma experiência, batizou o contingente de "Patrulha da Paz" e tudo certo.
Outra grande ideia para as contas bancárias foi simplesmente não pagar as prestadoras responsáveis pelo saneamento e fornecimento de água, incluindo aí a manutenção dos banheiros químicos. Tenha em mente um público estimado em 200 mil pessoas ao longo de quatro dias e o resultado é um só: o horror, o horror...
O que veio a seguir foi de revirar o estômago. Aquelas imagens eternizadas na cultura pop do público coberto de lama, mergulhando na lama, rolando na lama e até pegando jacarezinho na lama... adivinha: não era lama. Era merda. Muita merda. Merda pra tudo que é lado. Mesmo num calor senegalesco, a falta d'água era frequente nas bicas e nos chuveiros distribuídos na área, mas talvez fosse até uma providência do destino — testes feitos durante o festival constataram que toda a rede de água estava severamente contaminada por fezes. Eles sabiam. Só não avisaram ao público.
E com as barracas de comida e bebida enfiando a faca sem dó (garrafinha de água: US$ 4) era como vislumbrar a derrocada dos antigos ideais, agora pervertidos pela ambição e pelo materialismo. Era o fogo que faltava. Cansado de ser maltratado, humilhado e explorado, o público se voltou contra tudo e contra todos. Inclusive contra ele mesmo.
De certo modo, foi um intensivão de neoliberalismo.
O diretor Price consegue achados tragicômicos em meio aos crescentes riots, como o momento em que um dos membros da equipe faz uma barricada na porta do escritório, como se estivessem cercados por zumbis. E não hesita em se aventurar por terrenos controversos, como o dilema dos artistas de rock pesado num ambiente instável. Pelo contrário. Korn fez um show visceral, com a vantagem da escalação no primeiro (e relativamente calmo) dia. Mas é difícil não ficarmos menos do que convencidos que o Limp Bizkit e seu frontman Fred Durst acirraram bastante os ânimos já exaltados. E que os caras do Red Hot Chili Peppers podiam ter ido dormir sem tocar "Fire" bem no momento em que se propagavam os incêndios que marcaram o fim do festival.
Desastre Total eventualmente cede a algumas concessões. É nítido que Metallica e Rage Against the Machine foram poupados. No caso do primeiro, lembro bem do coro de "Die! Die!", que a banda sempre puxa no meio de "Creeping Death", destoando de toda a estética psicodélica-flower power do evento. E no caso do Rage e sua incendiária apresentação, ao menos foi registrada a arrepiante cena da turba repetindo o mantra/grito de ordem "Fuck you, I won't do what you tell me" enquanto destruíam, pilhavam e violentavam tudo pelo caminho. Mas dá pra botar na conta da metragem.
Não ajudou a romantizada que deram no Woodstock original. Ficou parecendo um piquenique de fadinhas e hobbits no Condado. E não foi nada disso. Outra bola fora envolve a pior faceta do festival, que foram os vários casos de estupro. Já estava quase no final do último episódio e achei que o assunto não seria sequer mencionado, o que teria dado perda total no doc. Mas foi. Em algo como cinco minutos. Pois é.
Também é traçado um perfil da mentalidade machista e privilegiada do jovem-branco-de-fraternidade que predominou no festival. O que foi um dedo na ferida admirável.
A narrativa aniquila qualquer impressão sobre o promotor John Scher que não seja a de um businessman negligente e ganancioso. Mas curiosamente patina em assimilar a figura serena e enigmática de Michael Lang, falecido pouco depois as filmagens. Ele foi co-idealizador e promotor do festival original e, pelas imagens da época, já era um personagem e tanto. Merecia um doc à parte.
O Woodstock '99 teve apenas 4 dias, mas, pelo jeito, rendeu assunto para 23 anos. E contando...
Se foi o sujeito "normal" da instituição The Rolling Stones. O bom, velho e lendário Charlie Watts pertencia à realeza do Rock —melhor ainda, à realeza cultural do século XX— e é irônico que nem fosse exatamente um baterista de Rock. Watts era um músico de skiffle, gênero inglês inspirado nas big bands americanas de jazz dos anos 1920/1930. E foi um músico de skiffle que tocava Rock. Por sessenta anos.
Não é de admirar como seus toques na caixa e no chimbal eram imediatamente reconhecíveis. Ele era o cozinheiro dos sonhos para Keith Richards e Mick Jagger. Seu estilo elegante, consistente e único deu o tom definitivo a standards sacrossantos como "Paint It Black", "Under My Thumb", "Let's Spend the Night Together", "Sympathy for the Devil", "Street Fighting Man", "Jumpin' Jack Flash", "Gimme Shelter", "Tumbling Dice", "Miss You", "Start Me Up" e uma infinidade de outros. Metade das bandas blues rock e hard rock blues-based devem suas existências às baquetas desse senhor. E a outra metade, ao resto do kit.
E ele nem mesmo precisava de um kit. Bastava um air drumming maroto e uma basezinha pré-gravada.
Peter Jackson liberou uma montagem/prévia de The Beatles: Get Back, com lançamento previsto para 27 de agosto de 2021, via Disney. O doc trará material extraído de 56 horas (!) de filmagens nunca exibidas, confirmando que o baú de inéditas Fab Four é, sim, um poço sem fundo.
Impressionante o nível de preservação do material. Parece que foi gravado semana passada. Acervo histórico, for sure. Imperdível para beatlemaníacos ou, simplesmente, para admiradores de boa, excepcional música.
Aliás, no início do ano, pela 1ª vez, fiz uma maratona cuidadosa pela discografia dos garotos e, pasmem terráqueos!, eles eram realmente impossíveis. A cada disco avançando a passos largos rumo à excelência técnica, lírica & melódica, ficava imaginando a cara do Brian Wilson quando os ouvia na época.
Só que, assim: ainda prefiro os Stones. Mas é porque sou um tosco que gosta de tomar uma ouvindo "Can't You Hear Me Knocking".Ic!
Esquadrinhar a vida, a obra, a genialidade e a transgressão do signoreFrank Vincent Zappa é impossível para uma produção de duas horas. Para arranhar a lataria, seriam necessárias algumas temporadas de uma série padrão HBO. Enquanto isso não acontece, Zappa parece ser um ótimo aperitivo. E ainda periga ser o documentário musical mais necessário de 2020.
Só esse trailer já me abriu um sorriso de uma orelha cansada até a outra orelha cansada.
Zappa é escrito, produzido e dirigido por Alex Winter (o Bill, dos filmes da série Bill & Ted), que é curtista e documentarista de longa data. Pelas cenas, dá para ver alguns highlights obrigatórios: a obsessão com a teoria musical, a fase The Mothers of Invention, os shows surreais, a iconoclastia sem prisioneiros, a briga histórica com a PMRC e o ativismo político, quando já alertava para o perigo de um estado democrático se tornando uma "teocracia fascista".
Claro, é só a ponta do iceberg. O terrível incidente em Montreux (a mais famosa citação da História do Rock), o atentado quase fatal que sofreu durante uma apresentação em Londres apenas seis dias depois, a amizade com o presidente (e fã) da antiga Tchecoslováquia e por aí vai. Tudo isso já se encontra do excelente doc Eat That Question: Frank Zappa in His Own Words (Thorsten Schütte, 2016), obrigatório para quem se interessa minimamente pela cultura pop e pela política do século 20 e como elas estão ligadas ao cenário atual. O longa é recheado de trechos de shows, entrevistas raríssimas e filmagens de arquivo até então inéditas – o que me deixa com o pé atrás com a mesma oferta sendo vendida no trailer de Zappa.
Little Richard pode ter dividido a paternidade/maternidade do Rock and Roll, mas foi ele quem viu primeiro a chance de levar toda a malandragem, safadeza, promiscuidade e, putz, anarquia até os culhões da família, da moral & dos bons costumes. Fãs? Teve alguns. Mas isso não era o mais importante.
Provavelmente sem perceber, ele deu a Deus e o mundo a matéria-prima inesgotável do rock e do pop até os dias de hoje. Little foi grande assim.
E como ainda não inventaram um termo à altura para agradecê-lo, nada como recorrer a um que ele mesmo inventou:
Quando o assunto é "filme sobre bandas", uma penca de produções marcantes me vêm à mente: o anárquico Isto É Spinal Tap (This Is the Spinal Tap, Rob Reiner, 1984), o indie Pé na Estrada (Bandwagon, John Schultz, 1996), o nostálgico Quase Famosos (Almost Famous, Cameron Crowe, 2000), o memorável Escola de Rock (School of Rock, Richard Linklater, 2003), o divertido telefilme A Era do Rock (Pop Rocks, Ron Lagomarsino, 2004) e até o besteirol Os Cabeças-de-Vento (Airheads, Michael Lehmann, 1994), entre alguns outros. Todos, sem exceção, sobre grupos fictícios.
Nessa área, provavelmente o mais honesto band movie já feito seja The Commitments - Loucos pela Fama (1991), de Alan Parker, sobre uma banda que, além de nunca ter existido, quebrou o pau e terminou antes mesmo de almejar qualquer coisa. Justo.
Daí fica fácil ver o grande problema de uma biopic sobre uma banda real: condensar em duas horas a natureza caótica, instável e quase sempre contraditória desse bicho muito doido. Pior, formatar isso numa narrativa cinematográfica palatável para zilhões de espectadores sem distorcer (muito) a realidade. Quem chegou mais perto foi o doidivanas Oliver Stone, no controverso The Doors (1991) encaçapando em catarses e montagens a porralouquice lisérgica das portas da percepção - ainda lembro de sair do cinema trocando as pernas - mas não sem quebrar alguns ovos no processo.
Com essa perspectiva, o que Bohemian Rhapsody (2018) faz com a história factual do Queen é um festival internacional do omelete.
Não é à toa que críticos mais austeros e jornalistas musicais se enfureceram com a produção. É realmente uma das cinebiografias menos acuradas da paróquia. Acontece de tudo: histórias radicalmente alteradas ou simplesmente inventadas, personagem-chave que nunca existiu, distorções cronológicas inacreditáveis, omissões graves e por aí vai. Uma parte dá pra entender e perdoar. Outra parte dá só pra entender. E outra parte não dá pra perdoar.
A bagunça veio do berço. A produção já estava bastante problemática com a escalação de Sacha Baron Cohen em 2010, que saiu três anos depois - e até hoje ainda fala um monte. Em seguida, a demissão do diretor Bryan Singer no final de 2017, após completados 2 terços do longa, e a contratação às pressas de Dexter Fletcher, do vindouro Rocketman, a cinebio de Elton John. E como se não bastasse, a marcação cerrada (e errada) das rainhas remanescentes Brian May e Roger Taylor nos rumos do filme.
Com tudo isso, o resultado final de Bohemian Rhapsody chega a ser surpreendente. Motivo: o próprio Queen. Seu "tipo de mágica", sua essência, está lá, impregnando cada frame do longa.
As deliciosas cenas de experimentações/criações musicais emulando zeitgeits e gêneros diversos com intros visuais em toda a sua glória retrô (uma bonita sacada da pós). As personificações fidelíssimas de Gwilym Lee, verdadeiro clone do May, de Ben Hardy como Taylor (e que também daria um perfeito Lars Ulrich saído de uma auditoria contra o Napster) e de Joe Mazzello como o reservado baixista John Deacon.
Além, claro, do indefectível Rami Malek como Farrokh Bulsara, o inesquecível Freddie Mercury - a razão disso tudo aí e a voz de trovão que pôs de joelhos todas as gerações de meados da década de 1970 até há poucos anos... antes de smartphones e redes sociais se tornarem pandemia e saírem emburrecendo geral - mas pela reação efusiva do público jovem presente na sala, esta guerra não está perdida. Ainda.
Da parte das distorcidas que "dá pra entender e perdoar", fico com o cameo de Mike Myers como o pragmático executivo da EMI Ray Foster - o tal personagem-chave que nunca existiu. Seu papel é simbólico, óbvio e absolutamente necessário para a fluidez do filme.
Não é preciso ser um gênio pra presumir que a insistência da banda em fazer de "Bohemian Rhapsody" sua música de trabalho certamente tirou o sono dos executivos da gravadora à época. Ao invés de jogar dezenas de yuppies engravatados em cena, o filme espertamente se concentra numa só entidade. Boa estratégia que cobre os efeitos dramáticos ao mesmo tempo em que sintetiza a velha treta "Rock and Roll vs. Establishment" de tempos mais românticos.
Mais do que isso, faz justiça com Myers e sua inestimável contribuição pessoal na trajetória do hit - que voltou às paradas americanas em 1992 graças a uma sensacional cena sua em Quanto Mais Idiota Melhor (Wayne's World, Penelope Spheeris). Para tanto, o ator enfrentou circunstâncias muito similares às da própria banda no lançamento do clássico. Pode se dizer que ali foi fechado um ciclo.
O famoso milagre de Hollywood, quem diria, às vezes acontece.
Sobre apenas "entender", leia-se: o-caos-cronólogico-provocado-pela-escolha-do-clímax - a histórica apresentação do Queen no Live Aid em 1985. Por razões dramáticas, o filme não só descontextualiza os bastidores do show, como faz uma ponte descabida com a hora mais sombria da vida de Freddie.
E o mais grave: evitando negligenciar a apoteótica passagem do Queen pelo Rock in Rio naquele mesmo ano, o filme credita à Cidade Maravilhosa o show da banda no estádio do Morumbi (SP) quatro anos antes, em março de 1981 - que também foi importante por ter sido o maior público registrado até então em show de uma única banda, mas que ainda está longe do impacto que o evento dos Medina teve na cultura pop mundial.
Essa parte foi imperdoável.
Mas funcionando como uma estranha constante, em Bohemian Rhapsody os fins quase sempre justificam os meios. São tocantes a cena em que Freddie é reconhecido por uma paciente na saída de uma clínica e o momento em que ele se abre para os companheiros de banda. A reconstituição milimétrica da apresentação no Live Aid em quase a sua totalidade é de tirar o fôlego na tela grande. Mereceu mesmo a honra de encerrar esta grande noite na ópera (-rock).
Após o filme, é inevitável um Queen fever, por dias a fio. E vindo de alguém que cultiva essa febrezinha há uns bons 33 anos...
Antes da sessão fiz um pré-aquecimento para saudar a Rainha como se deve.
Primeiro, com a imensa comoção no show do grupo na São Paulo de 1981... Não dá pra deixar de destacar a arrepiante cumplicidade do público em "Love of My Life", homenageada e (bem) elaborada no filme, ainda que dentro de uma bizarra digressão de tempo e espaço.
Depois, nada melhor que uma viajada em Queen Rock Montreal, em show registrado no fim de 1981. Mercury, May, Taylor e Deacon em seu auge técnico e lírico, numa de suas últimas apresentações sem uso de efeitos e músicos de apoio. Só o básico em direção à genialidade.
Simplesmente magnífico.
Claro que não podia deixar de faltar o icônico show do Rock in Rio. Era janeiro de 1985 e testemunhávamos o 1º mega-evento pop de um Brasil ainda provinciano e afundado nas trevas do atraso. Aquele novo e excitante mundo, já bem conhecido lá fora, estava começando a chegar aqui em alto e bom som - ou quase.
Não é exagero afirmar que Freddie Mercury e o Queen foram os garotos-propaganda daquele nosso iniciozinho de era.
Pra finalizar, o antológico show do Queen no Live Aid. Evento beneficente gigantesco e polêmico por si só, merecia um longa-metragem temático à parte. Melhor ainda: uma série padrão HBO e juridicamente blindada.
Recém-saída do Rock in Rio e exaurida pela extensa turnê mundial do álbum The Works, a banda subiu ao palco e lutou a boa luta por uma causa justa. Mesmo em condições físicas adversas e num contexto bem diferente do que estava acostumada, com 20 minutos disponíveis, prensada entre Dire Straits e David Bowie e enfileirando hits como se fossem os Ramones.
Mas, como uma perfeita reviravolta cinematográfica, o Queen veio, viu e venceu, visceral.
Não é só senso comum achar que o Queen roubou o show: sua apresentação foi realmente votada como a melhor performance rock de todos os tempos por insiders da indústria. Eu, que já a reassisti mais vezes do que o sensorial recomenda, não ouso discordar.
Numa sequência memorável de Psicopata Americano, Patrick Bateman (Christian Bale) resolve eliminar a concorrência com um machado enquanto faz uma verdadeira análise sobre a profundidade do pop yuppie do grupo Huey Lewis and the News. Deliciosamente insano.
Como piada boa não tem prescrição, o bom e velho "Weird Al" Yankovic refez a cena inteira invertendo os fatores com o próprio Huey Lewis protagonizando. O resultado é uma de suas melhores paródias.
Abaixo, a cena clássica para matar, chacinar, estrebuchar e esquartejar a saudade e fazer um colar com as suas orelhas.
Nota extra: desde a primeira vez que assisti ao filme achei a interpretação de Bale quase uma incorporação da persona de Tom Cruise (outro dos símbolos dos anos 80, tão satirizados pelo filme). Os mesmos maneirismos, tiques faciais, exageros... qual não foi minha surpresa em saber que foi intencional. O que só aumenta a minha admiração pelo talento de Bale. Que ator.
Sem querer ser um daqueles saudosistas reclamões (já sendo), esse velho hit do início dos anos 80 me lembra como era bom ligar o rádio e ouvir música pop boa de verdade. E olha que nem curtia tanto assim, apesar de ter envelhecido otimamente bem.
De quebra, o vídeo tem uma minitrama que traz muito do que penso sobre certas coisas - além de uns pseudo-zumbis compondo uma metáfora tão bacana e pungente quanto um shopping ou uma prisão.
Que John Carpenter compôs a trilha de quase todos os seus filmes, até a minha avó sabia. Mas o que nem eu e nem a velhinha sabíamos, é que o mestre juntou sua banda e gravou um clip para o filme Os Aventureiros do Bairro Proibido.
Pelos olhos verdes de Miao Yin... Mas que é um troço sensacional, ah, isso é.
Sabe quando a gente vê algumas coisas por aí onde a pessoa tenta sempre fazer com que seu trabalho seja reconhecido, mas nunca consegue, só para depois um gaiato qualquer aparecer e alcançar aquela meta sem nunca ter tentado? Pois então, Donnie Darko (idem, 2001) é mais ou menos isto. Nasceu cult e pronto. Não que seu idealizador não quisesse que fosse ou não tenha se esforçado, mas não sei se um diretor novato almeja que um filme seja cult, ao invés de simplesmente um filme de sucesso. Big Fish por exemplo, tem história cult, fotografia cult, personagens cult, diretor cult, mas não é cult. Talvez porque a única coisa que a maioria dos filmes cult não tem e Big Fish esbanja é orçamento. Filosofia do quanto menos custa, melhor é.
Não é só questão de dinheiro. Filmes cult atingem platéia definida. Não são que nem Titanic, por exemplo, que desperta amor e ódio por aí em tudo quanto é tipo de nicho de mercado; o primeiro muito mais que o segundo, sendo que tem muita gente dizendo que odeia só para ser do contra, como vem acontecendo com Gladiador. O cult-movie é dominado por características específicas: os temas não variam muito e sempre são chocantes de alguma forma, a narrativa é bastante peculiar, a trilha sonora não se atém ao lugar-comum - ou é alternativa até o osso ou pega pesado no pop-rock nostálgico, os atores estão surgindo ou no ocaso da carreira (ou são cult... dãã) e sempre traz símbolos marcantes.
Donnie Darko tem tudo isto. Atinge de forma acachapante o povo que se amarra em ficção científica, viagem no tempo e complexos da juventude. A edição final do filme original deixa uma série de lacunas que tornam o filme ainda mais intrigante, aguçando uma das qualidade/defeitos mais marcantes do ser humano: a curiosidade. Entretanto, a simples escolha do tema certo não funciona se o elenco não entrar na dança e as personagens não derem o clima adequado. Neste ponto o filme mostra-se mais do que competente, pois a postura e as personalidades de cada um conseguem quase alcançar a complexidade e profundidade das personagens de Magnólia: Donnie nos apresenta os produtos de uma adolescência cheia de conflitos internos, sua namorada, também à parte do mainstream social, é peça fundamental e serve de escada definição da psique do protagonista, a professora cool e amargurada com os métodos de um colégio de ensino tapado e atávico, o hipócrita soterrado em pecado que prega uma definição de vida maniqueísta de cunho quase religioso, os pais cegos e teleguiados, os pervertidos niilistas do colégio, a garota atacada sem dó pela crueldade adolescente e que é representante de todo um conjunto de minorias possível... tudo isto reproduz um cenário sufocante, que sugere a iminência de uma desgraça.
Para juntar personagens, roteiro e tema e transformar isto em um filme, o diretor usa uma narrativa toda entrelaçada onde nada é desperdiçado ou é usado como tempo de tela. Tudo tem relevância e mais parece um jogo de tabuleiro à moda antiga: Jogue um dado. Se tirar seis, vá para a casa X, mas se tirar 4 terá que voltar Y casas. Difícil não se sentir envolvido onde tudo tem algum tipo de referência à frente ou para trás, numa lógica nonsense, de modo que a compreensão consciente do que está acontecendo torna-se extremamente difícil. Entretanto, mesmo que a tentativa de usar a razão só contribua para nublar o entendimento, quem se identifica com o personagem sente que há coerência naquilo tudo, mesmo que não consiga explicar. É sensibilidade pura com clima de história da Vertigo.
E o diretor joga baixo com o espectador. Não bastassem todos estes elementos, o filme é ambientado nos anos 80, o que nos dá uma trilha fenomenal recheada de clássicos de Joy Division, Tears For Fears, Duran Duran, Oingo Boingo etc. Cada música é usada com propriedade, como que fazendo parte do filme assumindo um papel coadjuvante. Os momentos em que somos brindados com The Killing Moon (Echo & The Bunnymen), praticamente inteira logo no início, e uma versão de "Mad World" no final, interpretada (muito bem) por Gary Jules servem para nos "encaixotar" junto com o filme, suas letras servindo quase como sinopse, casando perfeitamente com o que ocorre na tela. Se não soubesse que as músicas têm 20 anos e que o filme é de 2001, juraria que foram escritas especialmente para a trilha sonora. Que diga o Bunnyman que estrela as fotos deste post, o coelho apocalíptico que a todo tempo adverte Donnie quanto ao futuro.
Richard Kelly havia dirigido dois filmes antes deste, mas é como se só debutasse a partir daí. Durante toda a versão do filme no DVD onde temos comentários do diretor é possível ouví-lo mencionar referências a comic books, justificando o clima Vertigo no ar.
Quanto aos atores, não vi Céu de Outubro (October Sky, 1999), mas a mídia diz que foi DD que trouxe Jake Gyllenhaal para as luzes, tornando-se cotado para o papel de Peter Parker e alcançando status imediato de rising star. Pode-se ainda ver o decadente, mas competente, Patrick Swayze e ainda Drew Barrymore, fazendo-me pensar sobre a sonoridade da expressão Cellar Door e ajudando sua produtora ao topar o papel da professora cool.
Mesmo sendo um filme reverenciado, é curioso como não tenha alcançado sucesso na telona. Nos EUA sua passagem foi extremamente tímida, enquanto no Brasil foi lançado direto em vídeo. O sucesso fez com que voltasse aos cinemas ano passado com uma versão do diretor de quase duas horas e quarenta minutos onde várias cenas que foram cortadas na primeira versão ajudam a compreender o filme sem precisar de outras fontes de consulta.
Da primeira vez que vi, fiz algumas suposições sobre o que teria acontecido na tela e, no debate em uma lista de emails sobre cinema, vi que não estava de todo errado. Um colega da lista resolveu pesquisar o site do filme e teve acesso ao livro de Roberta Sparrow, a Vovó Morte. Com isto, tudo ficou mais claro e coloco a explicação do que acontece na mensagem abaixo, no mesmo esquema já conhecido. Selecionem o texto para ler.
Ahh... eu não gosto de Titanic.
Donnie Darko Explicado
Existem vários universos paralelos. Nós vivemos no universo 'real' por assim dizer. Raramente pode acontecer de uma anomalia do universo ocorrer e acabar por criar um 'efeito dominó' que pode levar ao fim do universo.
O que acontece é que quando a turbina cai na casa do Donnie Darko, ela é um artefato vindo do futuro. Isso causa um rompimento na barreira entre os universos, e a partir daquele momento, o universo real passa a se tornar o universo TANGENTE. Universos tangentes tem uma duração curta, que no filme, virá a durar 28 dias, 6 horas, 42 minutos e 12 segundos e depois acabar.
Quando esse universo terminar, ele irá consumir tudo ao seu redor, inclusive o universo real, dando fim à toda existência.
Existe uma teoria que fala sobre o rompimento de barreiras no espaço tempo no filme, chama-se 'A Filosofia da Viagem no Tempo' escrito por Roberta Sparrow. No livro ela explica que pode acontecer de um artefato do futuro cair no mundo real através de um 'wormhole' da teoria de Einstein (que pode acontece em qualquer hora e qualquer lugar, segundo o filme), e criar um universo tangente paralelo.
Quem estiver perto do artefato quando ele cai, torna-se o receptor, e é a função dele fazer com que o artefato volte ao seu local de origem, fechando o círculo. Ou seja, o receptor deve fazer com que todo o ambiente seja favorável para que o artefato viaje no tempo mais uma vez, fechando o 'wormhole' criado pela primeira vez, e assim salvar o universo. (as partes do livro que explicam isso dá pra achar no site oficial)
Todas as pessoas ao redor do Receptor (o Donnie) passam a se tornar os Manipulados, pois eles serão manipulados por donnie para que ele possa fazer o que for necessários. Além dos manipulados vivos (seus pais, amigos, prof, etc...) há também os manipulados Mortos, que são pessoas mortas no universo tangente que detêm o poder de voltar no tempo e ajudar Donnie em seu caminho.
O manipulado morto do filme é o coelho Frank. Ele tem a função de fazer com que Donnie faça tudo funcionar, para tal ele manda Donnie cometer atos que virão a ter uma consequencia importante para o fluxo do universo!
O livro também explica que o receptor passa a ter poderes sobre água e fogo, entretanto o manipulado morto terá mais poderes, pois ele servirá de guia. (isso eu achei muita viagem)
No filme:
- Frank salva a vida de Donnie pela primeira vez, para que ele possa fazer com que a turbina volte no tempo mais uma vez e feche o círculo - Frank manda Donnie inundar o colégio para que ele possa conhecer Gretchen, que terá um importante papel, pois ela será a garantia de que Donnie faça seu trabalho, e também fará com que ele acredite que não irá morrer sozinho (seu maior medo) - Frank faz com que Donnie incendeie a casa do guru para assim eles encontrarem o calabouço pornô, e fazer com que a mãe de Donnie tome o avião de onde o artefato será extraído (outra garantia) - Donnie, ainda confuso, mas certo do que vai fazer, vai atrás de Roberta Sparrow pra lhe dizer que ele é um receptor - Neste momento, quando Gretchen é atropelada e morta por Frank, Donnie percebe que este é um artíficio que faça com que ele cumpra sua missão, caso contrário sua mãe e amor serão mortos - Quando Frank faz com que Donnie encontre a arma no armário de seu pai, Donnie percebe depois que ele deve matar Frank, para que naquele ponto (quando ele morre) ele retorne ao passado e ajude Donnie a cumprir a missão.
Aí que está: Donnie prepara tudo, o 'wormhole' se abre, criando algum tipo de furacão ou fenômeno, que destroça o avião e suga a turbina para dentro dele (como um buraco negro). Da primeira vez que isso acontece, o buraco fica aberto pondo em risco o universo, então deve ocorrer de novo para se fechar. Ou seja, Donnie NÃO volta no passado, apenas a turbina faz a viagem no tempo.
Wormhole
No livro de Roberta Sparrow ela explica que uma vez que o círculo se fecha, todas as pessoas envolvidas têm a sensação de deja vú ou como se tivessem sonhado com tudo aquilo (por isso que tem aquela cena que todo mundo acorda). Quando acontece o fechamento do buraco, não há mais Frank para acordar Donnie e tirá-lo da casa, e por isso ele morre. Um sacrifício que ele deve fazer para salvar os que ama, com isso ele evita que sua mãe morra no avião e que gretchen e frank morram, e também que o universo deixe de existir, claro.
O gordinho de vermelho é um enviado da FAA para investigar a família Darko, já que o departamento de aviação norte americano achou estranho demais a queda da turbina.
E é isso o filme! Espero que tenha dado para entender! O site oficial dá toda a explicação, e ainda dá um extra de coisas que acontecem.
